Человек в искусстве эпохи Возрождения
Религиозную тему Микеланджело воплощает как человеческую трагедию космического масштаба. Хотя сама тема Страшного суда призвана воплощать торжество справедливости над злом, фреска не несет в себе утверждающей идеи - напротив, она воспринимается как образ трагической катастрофы, как воплощение идеи крушения мира. Люди, несмотря на их преувеличенно мощные тела, лишь жертвы возносящего и низвергаю
щего их вихря. Недаром в композиции встречаются такие полные устрашающего отчаяния образы, как святой Варфоломей, держащий в руке кожу, содранную с него мучителями, на которой вместо лица святого Микеланджело изобразил в виде искаженной маски свое собственное лицо.
Итак, неудача из-за трагического противоречия между космической катастрофой, одинаково губящей всех, и человеческой личностью, являемой нам во всем блеске, во всей мощи своей неповторимой индивидуальности.
Работая над фреской "Страшный суд", Микеланджело хотел показать тщету всего земного, тленность плоти, беспомощность человека перед слепым велением судьбы. Таков, несомненно, был его основной замысел. Обреченные на гибель титаны утратили то, что всегда помогало человеку в борьбе со стихийными силами. Они утратили волю! Это предчувствие выражено искусством, которое уже явственно знаменует отход от одного из основных принципов Высокого Возрождения. Во фреске "Страшный суд" частное полностью подчинено целому, личность, как бы она ни была значительна, - людскому потоку. Искусство Микеланджело последних двух десятилетий его жизни отмечено глубокими противоречиями. То было время дальнейшего усиления реакции, искоренения остатков ренессансного свободомыслия. "Пьета" и "Распятия" - таковы наиболее характерные темы в поздней скульптуре и графике Микеланджело. Посмотрим на знаменитую "Пьету" ("Оплакивание Христа"), что в римском соборе святого Петра, изваянную Микеланджело в возрасте 25 лет. Горе матери, изображенной им совсем юной, озарено красотой ее облика и лежащего на ее коленях бездыханного тела Христа. Сознание близости конца и утрата благодатной опоры жизнерадостного гуманизма гнетут его душу.
Мыслью о смерти проникнуты последние его скульптуры, например "Пьета" (Форенция, собор), в которой жизнеутверждающая мощь прежних лет сменяется душевной болью. Герои титанического склада уступили место образам, так сказать, "человеческого масштаба", их главной чертой стала повышенная одухотворенность. Еще решительней тенденции к нарастающей образов выражены в последнем скульптурном произведении Микеланджело - в "Пьета Ронданини" (ок. 1555 -1564; Милан, Костелло Сфорцеско). Скульптор подчеркивает одиночество и обреченность; с каким усилием Богоматерь поддерживает вытянутое тело Христа, какими бесплотными, уже нереальными кажутся в своей мучительной выразительности их скорбные, прижатые друг к другу фигуры. Гипертрофированной одухотворенностью образов, преувеличенной экспрессией отдельных мотивов, общим пластическим строем это произведение в еще большей мере напрашивается на сопоставление с образами средневекового искусства, чем даже цикл поздних графических "Распятий". [22, с.94] Таков трагический финал эволюции микеланджеловской скульптуры - финал, столь далекий от ее исходного пункта. В графике Микеланджело мир образов остается тем же, что и в его скульптуре и живописи, - здесь безраздельно господствует образ сильного и прекрасного человека. Для Микеланджело весь мир концентрируется в самом человеке; все, что находится вне его, просто не входит в восприятие художника. Ни у одного живописца эта исчерпанность мира человеческим образом не была так очевидна, как у Микеланджело.
Микеланджело сделал важный шаг вперед. Он дал пример слияния в едином собирательном образе обобщенного ренессансного идеала и яркого характера - типа. Время жизни Микеланджело отмечено сильными противоречиями, нашедшими отражение в его искусстве. Но подобно тому, как на протяжении всего периода Высокого Возрождения Микеланджело находился в числе наиболее прогрессивных мастеров, так в период кризиса ренессансной культуры, в новых исторических условиях он оставался носителем непреходящих гуманистических ценностей, вызванных к жизни великой ренессансной эпохой. Творчество Микеланджело Буонарроти оказало огромное влияние на его современников и последователей. Это был последний из титанов Высокого Возрождения, который как никто другой из своих предшественников смог отразить становление, развитие и угасание гуманистических принципов Возрождения.
3.3. Кризис гуманистических идей в творчестве Тициана
Творчество Тициана замыкает вершину искусства Высокого Возрождения. Реалистическая убедительность образов; гуманистическая вере в счастье и красоту человека, широкая, гибкая и послушная замыслу мастера живопись - характерные черты его творчества.
Отличительными особенностями искусства Тициана были верность гуманистическим принципам, вера в волю человека. Тициан создает свой образный и колористический мир, где цвет является главным организующим началом. Творческий путь Тициана был долгим (он прожил 90 лет), последние десятилетия принадлежат уже Позднему Возрождению, что отразилось в настроении его последних работ, чувстве тревоги и отчаяния, воплотившихся в них.
В 1515-1520 гг. Тициан создает одно из самых глубоких своих произведений - "Динарий кесаря". Композиция произведения Тициана построена на противопоставлении двух образов - двух характеров: два лица крупно, рядом: (Христос и Фарисей. Черная рука Фарисея держит монету. Рука Христа около динария, но никогда не коснется его. Художник раскрывает благородство и возвышенную красоту Христа, с одной стороны, с другой - хищное выражение уродливого лица Фарисея.)
Тициан занимает положение ведущего художника Венецианской республики. Он пишет многочисленные портреты. Произведения Тициана этого периода отличаются чертами торжественного величия, где звучат патетические ноты.
Монументальностно и пафосом отмечена картина "Вознесение богоматери" ("Ассунта"). В картине три уровня. Нижний представляет собой группу апостолов; их фигуры находятся в движении, жесты выразительные и возбужденные, а взгляды направлены на фигуру Марии. Второй уровень - Богоматерь, возносящийся в окружении ангелов на облаках к небесам. Ее облик с влажно блестящими глазами, полуоткрытым ртом вызвал недовольство заказчиков монахов: показался слишком земным. И третий уровень - Бог - отец встречающий и благословляющий Марию. Выразительным является колорит картины, который построен на сочетании красного и синего цвета. К 1530 г. меняется характер творчества Тициана, он переходит от больших алтарных картин, от эффектного пафоса к реалистическому изображению действительности. И религиозные и мифологические сюжеты решаются как реальные жизненные сцены. Композиции Тициана проникнуты движением и охвачены пространством. Огромное полотно "Введение во Храм" включает разнообразные по своему характеру, яркие декоративные сцены. Евангельская легенда - вход девочки Марии во Храм, где ее встречают первосвященники,- сочетается с красочным, многолюдным зрелищем. В этот же период создается картина "Лежащая Венера", в которой Тициан создает свой тип красоты. Эта прекрасная земная женщина, изображенная в дворцовом интерьере. Облокотившись на подушку, нагая Венера смотрит на зрителя. Художник средствами тончайшей красотой лепки передал теплоту и бархатистость кожи, тончайшие оттенки.
Скачать реферат