Развитие творческих способностей детей средствами изобразительного искусства. Сюрреализм

Джексон Поллок (1912 — 1956) — американский живописец и рисовальщик, представитель абстрактного экспрессионизма, один из лидеров “живописи действия”, сторонник спонтанного творчества.

Джексон Поллок родился на о. Лонг-Айленд. После занятий скульптурой в Лос-Анджелесе и натуралистической живописью в Нью-Йорке Поллок объехал Соединенные Штаты и открыл для себя индейскую “песочную живопись”, а

также монументальные фрески мексиканских художников-монументалистов Ороско и Сикейроса. Их грандиозные росписи и фрески, знакомство с кубистическими полотнами испанца Пикассо оказали существенное влияние на живопись Поллока 1930-х и начала 1940-х годов.

Джексон Поллок увлекся сюрреализмом, который был представлен творчеством европейских художников-эмигрантов, находившихся в годы Второй мировой войны в Америке. Особенно сильное воздействие оказал на него принцип “автоматического” письма, который проповедовали апологеты сюрреализма. Однако он своеобразно интерпретировал этот метод. Он взял на вооружение технику дриппинга, с которой познакомил его немецкий художник-сюрреалист Макс Эрнст.

Живописец Поллок отказался от традиционных средств изобразительного искусства. Новатор отбросил мольберт и стал вешать свое полотно на стену, а чаще всего просто клал его на пол. Он не пользовался ни палитрой, ни кистью, но всегда держал под рукой всевозможные мастихины, лопатки, продырявленные жестяные бани, из которых сочилась краска. Двигаясь вокруг разложенного под ногами полотна, а иногда и наступая на него, Поллок разбрызгивал на его поверхности содержимое сосудов. Эта своеобразная манера и называлась “дриппинг” (техника капающей, разбрызгиваемой краски). В затвердевшую красочную поверхность, принимавшую форму бессмысленного нагромождения самых неожиданных пятен, линий, штрихов, мастер экспрессии вдавливал куски битого стекла, мелкие камни или даже металл, присыпая все это в случае необходимости песком.

Среди его самых значительных достижений исследователи беспредметного искусства считали такие полотна, как “Арабеска № 13″ (1948, собрание Р.Б. Бейкера, хранится в Художественной галерее искусства Йельского университета, Нью-Хейвен), “Бледно-лиловый туман № 1″ (1950, Национальная галерея искусства. Вашингтон), “Один” (Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Сальвадор Дали (11 мая 1904, Фигерас, Каталония — 1989, там же) — испанский художник-сюрреалист. Творчество Дали представляет собой уникальное по своему масштабу и значимости явление.

Испанец по происхождению, Дали родился в провинциальном каталонском городке Фигерасе в семье адвоката. В 17 лет (1921) он поступил на учебу в Мадридскую Академию художеств. Для образа Дали важно обучение в мадридской Академии Художеств, из которой он был исключен. Там он научился штриховке, отмывкам, приобрел необходимые качества рисовальщика.

В становлении художника огромную роль сыграли два фактора — знакомство с работами Джорджо Де Кирико и внимательное изучение трудов современного художнику австрийского психолога Зигмунда Фрейда.

Сама личность художника воплощала игровое начало и стремление к коммерции и рекламе. Его желание не просто быть художником-сюрреалистом, но и жить как сюрреалист. Очень много занимался саморекламой.

Первое знакомство с восходящим на арену изобразительного искусства направлением — сюрреализмом — произошло у Дали в 1927 году благодаря многочисленным публикациям в журналах и периодических изданиях тех лет, рассказывающих о представителях этого течения. В эти же годы появляются первые произведения Дали в духе сюрреализма — “Аппарат и рука” и “Кровь слаще меда”.

В 1929 году Дали приезжает в Париж, где встречается с сюрреалистами. Он быстро нашел общий язык с основателями сюрреализма — Андре Бретоном и Луи Арагоном. На одной из выставок он демонстрирует свои картины — “Аккомодация желаний”, “Озаренные наслаждения” и “Мрачная игра”. В этих полотнах по мнению мэтра сюрреализма Андре Бретона была сконцентрирована вся эстетическая программа нового направления.

Паранойя — главное состояние художественной личности по мнению Дали. Свой метод он называл критико-параноидальным, часто испытывал галлюцинации. В начале 1930-х годов формируется характерный для Дали “параноидально-критический метод”, который сам художник объяснял как “спонтанный метод иррационального познания, основанный на критической и систематической объективации бредовых ассоциаций и интерпретаций”. Этот метод Дали наглядно демонстрируют такие его полотна, как “Мрачная игра” (1929, частное собрание, Париж), “Великий мастурбатор” (1929, Фундасьон Гала-Сальвадор Дали, Фигерас).

Понятия “бессознательного” из философии Юнга и “подсознательного” из учения Фрейда обрели в картинах художника зримую плоть.

На фоне необъятного грозового неба во всю его высоту и ширь предстает чудовищное до жути сцепление частей тела человека — рук, сжимающих в предсмертной агонии обрубок плечевой кости, диагонально перерезающей полотно. Над ней высится голова на напряженной, с надутыми жилами шее. Опирается вся эта конструкция на небольшой шкаф-ящик — непременный атрибут многих картин Дали, выступавший как иллюзия устойчивой обыденности бытия. Горизонт дан низко — видна лишь узкая полоса земли. На ней разбросаны бобы, кусочки кожного покрова, окровавленные внутренности. По свидетельству современников Дали, это полотно обладало огромным антивоенным пафосом.

Гала раз и навсегда стала его музой. Он постоянно изображал ее.

Потрясения начавшейся Второй мировой войны вынудили художника эмигрировать в Америку. Экстравагантные выступления и акции, производимые на публике, принесли Дали популярность и известность не только в Америке, но и далеко за ее пределами.

После окончания войны, в 1948 году, он возвратился на родину. В этот период творчества Дали увлекся католицизмом и создал ряд картин религиозно-мистической тематики. Подлинной вершиной духовных исканий мастера стала одна из них — “Тайная вечеря”, написанная в 1955 году.

4. 10 тайных символов, скрытых в самой известной картине Сальвадора Дали

В начале августа 1929 года молодой Дали познакомился со своей будущей женой и музой Галой. Их союз стал залогом невероятного успеха художника, оказав влияние на все его последующее творчество, включая картину «Постоянство памяти».

(1) Мягкие часы — символ нелинейного, субъективного времени, произвольно текущего и неравномерно заполняющего пространство. Трое часов на картине — это прошлое, настоящее и будущее. «Вы спросили меня, — писал Дали физику Илье Пригожину, — думал ли я об Эйнштейне, когда рисовал мягкие часы (имеется в виду теория относительности. — Прим. ред.). Я отвечаю вам отрицательно, дело в том, что связь пространства и времени давно была для меня абсолютно очевидной, поэтому ничего особенного в этой картине для меня не было, она была такой же, как любая другая… К этому я могу добавить, что я много думал о Гераклите (древнегреческий философ, который полагал, что время измеряется течением мысли. — Прим. ред.). Именно поэтому моя картина носит название «Постоянство памяти». Памяти о взаимосвязи пространства и времени».